绘画中，如何把握色彩静物和环境色？
在绘画时，首先得定个大的基调，如，冷色调，暖色調，然后画的过程始终围绕这个基调进行，这样便于色调统一。初学者，看不到这些颜色，他们大多只看到物体的固有色，而忽略了环境色，这时，如果绘画者色彩感觉好，可能会画出漂亮的色彩，如果色彩感觉不好，咋办？这就要用理论去指导实践，物体间的色彩关系是你中有我，我中有你，相互呼应，相互协调。而这个理论就是色彩属性，(色相，明度，纯度)理解好补色，类似色，对比色之间的关系，一切就自然okay啦。
环境色，顾名思义，是周围环境对静物的色彩影响，要把握好，其实个人觉得有几点； 1、首先是大环境，画面的色调，在偏暖还是偏冷的环境。
2 ，周围物体的颜色对其影响，比如物体在一块大红色布面上，那么红色必定会对其产生影响。
3，静物本身的色彩及质感，比如玻璃质感，陶土质感，等，反射的环境色都应该要考虑到。
最主要把我静物的环境色，除了以上几点，个人觉得还是要凭值得色彩感觉。和控制色彩的努力。因为物体本身是没有颜色的，有了光才有颜色。所以没有什么具体的套路。感觉最重要。也最难。（哎呀，申请个号还要验证考核，头条，服了你了）
色彩后面暗一些，冷一点，颜料薄一点，甚至灰一点，但别脏。对比不能强，比如说有一个布纹，你要淡化它的明暗关系，不然就会跳。而前面的和主体物就要对比强一点，特别是遇到深色罐子。如果是有好几块布，布与布交界出很重要，后面的可以在画完后用笔蘸少量水给它揉一揉，让它虚掉，前面的，一定要加强上面一块布的投影。后面静物的塑型也可以松一点，前面的刻画要好。罐口的塑造是基础也是重中之重。环境色的话。它是相邻两个物体间的影响，玻璃或上釉的反应的会比较多。只要画完后在物体身上受影响的位置用飞白的效果拉一道就行了。如果在暗部的话就调灰一点再画。（我有一个同学话上釉的罐子时把周围水果的反光都画在罐身上，超逼真的。但别学，他花很久时间的。）一些不太会反光的像布之类的只要在相接出用固有色加环境色调一下，至于环境色加多少，要自己试。既不能改变固有色，也不能没反应出来。
对于绘画者而言，特别是初学者，掌握色调的冷暖至关重要。今天以水粉画为例简单说下。
素描锻炼的是理性思维，水粉锻炼的是感性思维，只要色彩感觉好，对色彩敏感，有了素描基础，画水粉就要轻松多了。
首先，观察一组静物要掌握住主色调。就是静物的颜色是以冷色为主还是以暖色为主，台布是偏冷色还是偏暖色。掌握了主色调也就掌握了主基调。
再者，观察单个物体本身的颜色变化，包括亮面、暗面、反光、投影部位，物体受台布环境色的影响程度，以及和其它物体之间颜色影响的程度。
还有就是光源问题，自然光一般比较好理解，也比较好处理，自然光条件下物体基本保留着本色，色彩关系不存在太多干扰。但如果是灯光光源，静物以及台布就会受到一定的色彩干扰，如果是白色光源，整个静物主体颜色就会偏冷一些；如果是***光源，就会偏暖一些，因此，要灵活掌握。
在正常情况下，物体亮面要比暗面偏暖一些。物体投影部分受台布的影响较大，但投影一般也是要比受光部分偏冷一些的。投影的颜色变化主要来自台布本色以及受物体的干扰色。
对初学画者，刚接触绘画，在观察习惯上描绘的静物时候容易孤立的看各个物体，美术课上老师总是会强调整体，整体的观察，这就是在说不仅仅是环境色，而是把所有需要描绘的物体全部放在一起观察。
在自然界没有任何东西是孤立存在的，这个本质哲学和绘画和一切学科都是一样的道理，在同一个空间中的静物相互间的色彩在光线下必然会相互反射，相互融合，这就是我们所说的环境色。能不能把握住物体与物体，物体与背景空间之间相互影响产生的颜色变化，关键是整体观察，对比着看，打个比方，一个红色的苹果🍎整体给我们看到的是一个红色的色相，那么当你描绘的一组静物，比如蓝色的罐子和白色的盘子再加一块浅紫色的衬布，在正常的白天光线下，那么所有这些物体会相互作用和影响呈现出来的是一个大的紫色的调子【大的色相】蓝色的罐子上会因为苹果的红而往紫色里靠，苹果的红会在罐子的蓝色作用下也往紫里靠，白色的盘子更是反射周围的物体而靠近它们的色相。因此我们描绘的物体已经不是单个我们概念中的固有色了，也正是因为大自然中这样的“大杂烩”才会有无穷的变化，创造了这多姿多彩的世界。
目前为止，你见过的最美的一幅画，可否分享一下？
谢谢邀答：我觉得每个人心中都应该有一幅最美的画！无能是山水画，油画，古画，现代画……这些画虽然很美却都是有价的，但有些画虽然并不美，却是无价的！
比如：“疫情”期间冒着生命危险战斗在第一线的医务人员美不美？“汶川”大地震抢险救灾的***美不美？98年大洪灾用身体挡洪水的战士美不美？冲进火海的消防员战士美不美？凌晨就出门打扫街道的清洁工人美不美？无数英烈如：邱少云，董存瑞，黄继光，雷锋，刘胡兰等等他们美不美？
其实，当他们定格的那一瞬间，便以成为永恒！这才是最美的画！向他们致敬！！
